La fotografia è facile.  L’arte è dura.

La fotografia è facile. L’arte è dura.

Hai un’ottima macchina fotografica e pratichi tecniche fotografiche precise. Esplora luoghi desiderabili e riprendi soggetti meravigliosi, ma le tue fotografie ti lasciano meno che entusiasta. Cosa succederà dopo?

Se vuoi fare foto più interessanti, diventa una persona più interessante.
-Jay Maisel

Gli anni formativi per la maggior parte dei fotografi comportano molto studio e apprendimento con molti tentativi ed errori. Molti passano molto tempo a studiare e analizzare le specifiche tecniche dell’attrezzatura fotografica, inseguendo l’obiettivo più veloce, il miglior bokeh o altre caratteristiche decantate. Con l’aiuto di YouTube e di una scorta infinita di tutorial online, molti altri imparano rapidamente come utilizzare una varietà di software e tecniche di camera oscura digitale.

Non c’è dubbio che la curva di apprendimento del mondo digitale sia infinitamente più breve del mondo del cinema. All’epoca non avevamo un feedback immediato e un facile accesso a decine di esperti. Abbiamo continuato a fotografare, valutare e riprovare. Oggi, l’enorme volume di attrezzature, software, tecniche di elaborazione e siti Web da cui apprendere rende possibile ossessionare attrezzature e tecniche nella misura in cui rimane poca energia mentale per lo sviluppo artistico creativo.

Avrei voluto avere un mentore fotografico nei miei primi anni che mi guidasse a considerare il mio futuro fotografico invece del presente immediato. I fotografi esperti sono perfettamente consapevoli di quanto sia facile apprendere i fondamenti della fotografia. Con l’istruttore giusto e / o il materiale didattico, gli studenti impegnati possono facilmente cogliere argomenti come il triangolo di esposizione e la valutazione dell’istogramma in mezza giornata. Un’altra mezza giornata di studio con Lightroom o altro software e la maggior parte degli studenti può produrre stampe a getto d’inchiostro di buona qualità in un ordine piuttosto breve. Il fine tecnico della fotografia è stato democratizzato: non è più l’unica provincia di artigiani impegnati che ci lavorano da decenni. Nonostante il modo in cui viene spesso rappresentato, l’apprendimento della meccanica è la parte più semplice della fotografia.

Molti fotografi non riescono a superare questa fase nonostante un pio desiderio. Un modus operandi particolarmente strano è l’acquisto di nuove attrezzature per creare nuove e più emozionanti fotografie. Ma niente potrebbe essere più lontano dalla realtà. La parte più difficile di una buona fotografia ha poco a che fare con l’attrezzatura o le tecniche e tutto ha a che fare con buone idee. È strano che noi fotografi perseguiamo il nostro mezzo in modo arretrato. I pittori non continuano a comprare e provare diversi pennelli, oli o cavalletti per migliorare la loro arte o artigianato. Continuano a dipingere, sviluppando simultaneamente il loro mestiere e la loro arte. Pochi fotografi smettono di sviluppare il mestiere abbastanza a lungo da considerare le opzioni artistiche creative.

Questo articolo è rivolto ai fotografi che vogliono andare oltre le fotografie documentarie o rappresentative per arrivare al fotografo d’arte, se lo desideri. Ma poiché è un identificatore controverso, lascio ulteriori spiegazioni ad altri in altri articoli. Per la mia definizione e per gli scopi di questo articolo, il fotografo d’arte sintetizza l’evento esterno (la cosa degna di essere puntata su di essa) con l’evento interno (il riconoscimento intuitivo di un’idea o di un concetto relativo alla cosa).

Il merito è ad Ansel Adams per questi termini, gli eventi interni ed esterni, insieme a una miriade di altri concetti e ideologie che ha portato alla natura artistica e alla fotografia di paesaggio. Coloro che hanno familiarità con l’opera di Ansel riconoscono la sua transizione professionale dalla rappresentazione all’arte. Non solo ha scritto il libro, ma ha parlato.

Ansel ha detto:

La visualizzazione è il fattore più importante nella realizzazione di una fotografia. La visualizzazione include tutti i passaggi dalla selezione del soggetto alla realizzazione della stampa finale.

In breve, la visualizzazione di Ansel si riferisce alla nostra capacità di vedere la fotografia finita in quello che comunemente chiamiamo “l’occhio della mente”. Questa è un’abilità fondamentale da sviluppare per il fotografo di belle arti. Fotografia finita che significa non solo la composizione o il posizionamento di oggetti all’interno dell’inquadratura, ma l’intera estetica visiva ed emotiva: il soggetto e la composizione; l’aspetto e la sensazione della stampa finita; così come la sensazione o lo stato che può essere suscitato nello spettatore. Il fotografo rappresentativo descrive le apparenze fisiche come si trovano e in genere non interferisce con il soggetto o la luce. Al contrario, la fotografia artistica può essere interamente il risultato di un’interferenza. La stampa finita potrebbe a malapena somigliare allo stato trovato.

La visualizzazione non è una tecnica appresa e accantonata; è un processo in continua evoluzione che prende forma nel corso di un’intera vita fotografica. Il dizionario Merriam-Webster definisce la visualizzazione come “la formazione di immagini visive mentali”. Nella mia pratica fotografica, questa è la sintesi di tutta la mia esperienza di vita, conoscenza, immaginazione e desideri. La crescita in tutte queste aree dovrebbe essere una ricerca incessante per qualsiasi artista.

Avevo un obiettivo distinto quando ho iniziato il mio viaggio fotografico molti anni fa: creare un lavoro unico e distintivo che chiunque potesse guardare e (desiderosamente) riconoscere come mio. A dire il vero, è un obiettivo elevato per un fotografo dilettante, ma l’ho portato avanti da una vita precedente come musicista. Per il mio modo di pensare non esiste un percorso più veloce per l’arte: mirare all’eccellenza, evitare la mediocrità, essere autentici e originali e avere buone idee. I primi due sono davvero facili.

Anni fa, ho avuto l’opportunità di sedermi con un editore rispettato che ho cercato di impressionare durante una revisione del portfolio. Ero orgoglioso del lavoro che stavo facendo e pensavo di avere una buona idea di dove stavo andando. Ho partecipato alla revisione del portfolio per imparare, sperimentare, connettermi e stupire. Mi sono seduto con molti galleristi, curatori ed editori, ma quell’unico editore ha avuto il maggiore impatto. Non perché ha lodato e poi ha deciso di pubblicare il mio lavoro, ma piuttosto perché è stato brutalmente onesto al riguardo e l’ha rifiutato. La cosa peggiore di cui un artista ha bisogno è un ego fuori misura e la riluttanza a imparare e crescere. Non possedevo nessuno dei due e tornai a casa sconfitto ma risoluto.

Ho studiato attentamente il mio lavoro, non cercando più i miei più grandi successi (raccolte fotografiche casuali di cose belle e luoghi meravigliosi) ma piuttosto temi coerenti e concetti in erba che potevo sviluppare in ricchi corpi di lavoro. Anche se una generazione precedente di fotografi con Zone System basati su pellicola aveva in gran parte fatto dell’eccellenza nell’esecuzione tecnica il proprio obiettivo, non sarebbe stato sufficiente per me. Le qualità espressive delle mie fotografie e delle mie idee sono diventate fondamentali.

Preferisco l’ampiezza alla profondità sia come creatore che come consumatore d’arte. Nella musica preferisco gli album interi ai singoli (meglio ancora se tematici o concettuali); in fotografia, preferisco i libri a tema o le mostre ai singoli di successo come Instagram. Quando sono fatti bene e sequenziati nel modo giusto, lo spettatore (o l’ascoltatore) viene spesso trasportato. Che si tratti di musica o fotografia, i “single” mi lasciano sempre con la voglia di più.

Ho deciso di specializzarmi nel mio ambiente e habitat (i vincoli autoimposti possono rivelarsi artisticamente liberatori). La fotografia di viaggio è divertente ed emozionante, ma il mio lavoro migliore e più importante sarebbe probabilmente venuto da luoghi e soggetti facilmente accessibili, che conoscevo intimamente e amavo profondamente. Perché dovrei viaggiare altrove per fotografare quello che hanno già gli altri fotografi quando nel mio cortile esisteva una quantità incalcolabile di affascinante potenziale non sfruttato? In qualità di esploratore e avventuriero per tutta la vita della California e dei deserti degli Stati Uniti occidentali (Mojave, Colorado, Great Basin e Sonoran), nutro un appassionato interesse per la geologia, la flora e la fauna regionali. Studio la storia naturale, conosco intimamente le piante e gli animali (spesso anche con il loro nome latino) e conosco la storia umana. Tutto questo è importante per me. Ogni parte gioca un ruolo nell’informare le mie fotografie. C’era poco su “la strana solitudine, il cupo silenzio, [and] la grande desolazione ”(The Desert, 1901, Van Dyke) da cui non ero affascinato. Nessuno aveva ancora fatto il tipo di fotografie del deserto che si nascondevano nel mio subconscio. Sapevo esattamente il lavoro che avrei fatto, molto probabilmente per il resto dei miei giorni.


L’articolo è per gentile concessione di ELEMENTS Magazine. ELEMENTS è la nuova rivista mensile dedicata alla migliore fotografia di paesaggio, a editoriali penetranti e a un design fluido e pulito. All’interno troverai articoli e immagini esclusivi e approfonditi dei migliori fotografi paesaggisti del mondo come Freeman Patterson, Bruce Barnbaum, Christian Fletcher, Rachael Talibart, Charles Cramer, Hans Strand, Erin Babnik e William Neill, solo per citarne alcuni .


Circa l’autore: Michael E. Gordon è un pluripremiato fotografo paesaggista di belle arti e ricercato insegnante con un “rapporto intimo con il mondo naturale che produce immagini tranquille di profondità e scoperta”. Le sue stampe artistiche sono conservate in collezioni private in tutto il mondo, compresa l’Ambasciata degli Stati Uniti. L’impegno di Michael per la conservazione della California e del West americano gli è valso un premio President’s Gold Volunteer Service.



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